22 mayo 2014

Mis 11 razones para recomendar “Aún no has demostrado nada”, de UMBRA SUM



- Porque Aún no has demostrado nada, debut oficial del costarricense Ed Sánchez-Gómez (aka Umbra Sum), publicado después de un largo proceso de gestación, merece todas y cada una de sus influencias. Tanto las reconocidas (Beach Boys, Los Jaivas, Hood, My Bloody Valentine, Sonic Youth) como las que me sugieren mi educación musical y emocional: Los Planetas y los primeros Silvania.

-Porque la primera vez que escuché su maqueta me encontraba en una situación en la que se alternaban periodos de querer quitarme de en medio y desaparecer de la faz de la música y otros de exaltación total (no solo del amor). Descubrirle decantó la balanza, aunque durase poco y terminase mal. Eso sí, cuando desperté, las canciones seguían ahí. 

-Porque en 21 años se pueden contar con los dedos de una mano los fichajes que hemos hecho desde la nada, sin referencias previas. Normalmente el flechazo surge por un concierto, la recomendación de un amigo, el boca a boca/oreja a oreja, o tomando nosotros la iniciativa tras leer una reseña en un medio de confianza. El único caso parecido que recuerdo fue el de APSE (otro CD casi anónimo en el buzón).  

-Porque en nuestra primera conversación intenté convencer a Ed de que cambiase el nombre de su proyecto personal. ¿Cómo que Umbra Sum? ¿Se puede pensar en algo con menos gancho? Vale, significa “Sombra Somos” en latín, pero... Por supuesto no aceptó. Y ahora me alegro.  

-Por su sano eclecticismo (nada de forzar el mestizaje). En el disco hay ruido y armonías, rítmica serpenteante, capas de voces que funcionan como unidad coral y también como mural para unas letras que apelan tanto al cielo como al terruño, como si el CD fuese una artesanal pero solidísima casa-árbol de maderas exóticas en el denso bosque del indie-rock.

-Por tener los santos cojones de presentarse con un videoclip tan raro como el de “Que el verano nos perdone”, dirigido por Jairo Jiménez Cabezas. Un infierno futurista de formas geométricas que pueden hacerte perder la paciencia, pero que cuando llegas al final te deja absolutamente extasiado. Y viendo cómo sale el sol.

-Porque hace mucho tiempo que no recibíamos tanto interés por parte de crítica y público de todo el mundo: desde Nueva Zelanda a Uzbekistán (no me lo invento), de México a Taiwán. Más allá de éxitos pasados con Migala (era otra época, y cantaban en inglés), ZA! (una anomalía) o Aroah, solo puedo compararlos con Mus, que aún usando el asturiano como idioma, llegaron bien lejos. Debo confesar que tuve el pálpito de que algo así sucedería. Pero como otros tantos pálpitos, podría haber terminado en el cubo de la basura de los pálpitos.

-Porque  Umbra Sum mantiene su personalidad lírica y estética desde el principio hasta el final del disco (¡y con  una portada tan bonita y evocadora!) y acaba siendo lo de menos que Aún no has demostrado nada fuese masterizado por Jeff Lipton (Arcade Fire, Bon Iver, The Magnetic Fields).

-Por la  extrañeza que produce en el oyente algo que me gustaría definir como “la emoción de migrante”. Umbra Sum es para gente que se encuentra –habite o no en su propio país- tan expatriada como Ed Sánchez-Gómez, que reside en Chicago, que vivió en Argentina y que publica en un sello español. “La emoción del migrante” es que escuchar tus canciones te haga sentir como esas veces que nos despertamos creyendo que estamos en otro sitio. Y que lo estemos. Y que ese hotel, o esa cama de circunstancias sea en parte amenazante y en parte cálida y tentadora.

-Porque sus textos y sus melodías demuestran que etéreo no es sinónimo de inocente, y desde el primer instante estos 33 minutos de mini-álbum da un puñetazo en la mesa, con armonías veraniegas, sincretismo folclórico-psicodélico, espíritu lúgubre y sentidos estruendos melódicos.

-Porque es para Acuarela y para un servidor el primer lanzamiento con nueva casa, nueva oficina, nueva vida. Partimos de cero, y espero sinceramente “Que el verano nos perdone”. 


14 abril 2014

Gracias, mamá.


Mi madre casi me llama Elvis (por Elvis Presley).

Pero nací un 24 de diciembre, y Jesús pareció más pertinente (hijo, además, de María y José).

Con ello quiero explicar que la música estuvo presente en casa desde niño. Creo que mi madre conserva no menos de 100 vinilos del Rey, y desde muy pequeño me transmitió la obsesión por las canciones, bailar sin reglas, y las historias más allá de las biografías oficiales.

Una de mis primeras "obras creativas" fue hacer en una cartulina una especie de portada de un periódico inventado, en el que con tijeras, fotos y recortes glosé los últimos días de Elvis, echándole la culpa de su muerte al pérfido doctor que le suministraba las pastillas. Yo tendría 5 años. 

"The Pelvis" siempre estuvo allí. Luego pasé por fases en las que entraban y salían Michael Jackson, Madonna, Kool & The Gang, Prince, Lionel Richie (creo que "Hello" fue la primera canción con la que lloré), los Beatles, Bob Dylan (esto por mediación de mi tía, 10 años menor que mi madre, y orgullosa poseedora de una guitarra acústica que tocaba cuando se sentía incomprendida) y Simon & Garfunkel. 

Pero la epifanía fue cuando un verano, teniendo yo 12 años (finales de agosto del 85), una amiga melómana de nuestro grupo de amigos de veraneo me grabó una cinta: Earth Wind and Fire, Stevie Wonder, los Jackson 5... En la cara B me añadió lo que ella denominó "cosas de mi hermano mayor". 

Era el "The Head on the Door" de The Cure. 

Ahí empezó todo. 

Al verano siguiente yo ya me había hecho con mi primer Rock de Lux (que guardo con anotaciones, subrayados, etc...), y me dirigía a Plymouth (UK) a aprender inglés con dos amigos de clase que luego han hecho carrera: Victor Lenore (Rock de Lux, Lengua de Trapo) y Manolo Martínez (Astrud), dentro de un viaje con otros 80 alumnos que venían de Cartagena, Huelva o Don Benito.

Los tres estudiábamos juntos primero de BUP en el Instituto San Luis Gonzaga de El Puerto de Santa María, Cádiz. De hecho yo había sido compañero de Manolo desde la EGB en el Colegio Público José Luis Poullet, aka "El Pantera Rosa", por el llamativo color de su fachada. 

Pero mis verdaderos aliados en aquel casi iniciático viaje fueron  las casetes de "Psychocandy" de The Jesus & Mary Chain, "Standing on a Beach" de The Cure, "Swordfishtrombones" de Tom Waits y "Armarios y Camas" de La Dama se Esconde.

Los escuché obsesivamente. No entendía a Tom Waits, pero me acostumbré a no acostumbrarme a pensar que la música independiente significaba ceñirse a un determinado sonido de guitarras.

Segunda epifanía.

Mi madre había insistido en que hiciese aquella excursión, que aprendiese inglés. Yo me negué varias veces. Pero al final –por dejar de escucharla- accedí.

Mi madre. La primera influencia musical en mi vida. 

24 marzo 2014

Matt Elliott: gira ibérica en mayo.



Matt Elliott presenta su último trabajo, Only Myocardial Infarction Can Break Your Heart, acompañado, como es habitual, por su guitarra, sus pedales y sus peculiares instrumentos.

7 MAYO: Clavicémbalo (LUGO)
8 MAYO: Bar Labranza (PONTEVEDRA)
9 MAYO: Casino (XIXÓN)
10 MAYO: Teatro Municipal (GUARDA/Portugal)
11 MAYO: Comunidade Artística Limiana (PONTE DE LIMA/Portugal)
12 MAYO: Berlín (ZAMORA)
13 MAYO: Casa Tomada (A CORUÑA) + Shana Falana
14 MAYO: Mercado Negro (AVEIRO/Portugal)
15 MAYO: Maus Hábitos (PORTO/Portugal)
16 MAYO: Salón de Teatres (ALMENDRALEJO)
17 MAYO: Fotomatón (MADRID) 
18 MAYO: La lata de Bombillas (ZARAGOZA)

Hace dos años que Matt Elliot nos había entregado The Broken Man, un álbum a flor de piel, desnudo, posiblemente el más oscuro de su carrera. En Only Myocardial Infarction Can Break Your Heart, su último trabajo, anuncia un optimismo totalmente inesperado en este músico. Un nuevo comienzo, tal vez una forma de esperanza renovada. Sea lo que fuere, este nuevo disco introduce una nueva dimensión en la música de Elliott, sin que en ningún caso haga tambalear sus cimientos.

Desde las primeras notas se percibe un clima menos sombrío que de costumbre, y el oyente se sumerge de forma inmediata en esta nueva atmósfera. El primer tema, de más de 17 minutos, es el manifiesto de una nueva dinámica: el deseo de seguir adelante sin importar los obstáculos. La melancolía que siempre ha surgido de la música de Elliott se transforma aquí en una energía bulliciosa, a la par que extremadamente cálida. Más que nunca, se las arregla para combinar la sombra y la luz dentro de una misma canción. Las emociones no se oponen, sino que se complementan de la más hermosa de las maneras. Es evidente que la bruma se ha disipado y muestra el camino tal y como es; sinuoso, rocoso, avanzando hacia territorios llenos de serenidad.

Tanto es así que uno nunca se ha sentido tan próximo a un músico escuchando uno de sus discos, hasta el punto de tener la sensación de estar a su lado, en su habitación, compartiendo un momento raro, inesperado y por tanto inestimable de intoxicación... “Solo un infarto de miocardio puede romperte el corazón” parece ser la obra de  reconstrucción de un hombre roto, impregnado de desesperación. Y si la carga emocional es menos fúnebre, la intensidad permanece intacta. 

20 marzo 2014

La "Resituación" de Nacho Vegas


"Resituación" sale a la venta el 8 de abril en Marxophone

Hace cinco años escribí un poema dedicado a Nacho Vegas que terminaba con los siguientes versos: “Digo que tus manos serán siempre / grises antes de oscurecer del todo, que tus dedos  / se mantendrán firmes a lo largo del poema, que / si no te hace sentir más desolado, lo que debo decirte / es que espero que seas bueno con todo el mundo siempre / y en toda ocasión, amigo mío, / con sólo algunas notables excepciones”. Ahora, el sexto trabajo de Nacho trae las notables excepciones de las que hablaba ese canto a la vida que pertenece ya a otra época.

Resituación, además de la obviedad socio-estratégica del título, es también el disco en el que el asturiano más se retrata a sí mismo por medio de terceros. Pueden ser personajes pajeándose con calcetines a modo de condón, eslóganes electorales, mozas de aldea, amores decimonónicos o actores poco memorables. El caso es que parece obvio que Nacho Vegas ha  decidido, sin ambigüedades, representarse a sí mismo, dar  un golpe en la mesa, y obligar a callarse a  testigos, jueces y parte.  

Y por eso nos alegramos de que el tema más solemne del disco sea instrumental. Y que luego escriba sobre la realidad (y al mismo tiempo sobre la verdad) con tanto tino, sembrando de epifanías una obra con muchos sujetos y unos cuantos predicados en la que no hay espacio para los clásicos zooms hacia el ombligo del cantautor al uso. Si todo gesto y casi toda emoción son políticos, se trata de un elepé político que va de la alcoba a la alcazaba sin pestañear. No confunde la masturbación con el amor propio, y ante la pregunta de si se trata de un elenco de canciones-protesta o de canciones-confesiones la respuesta es: no, aquí lo que hay son canciones-canciones.

Desde “Actores poco memorables”, donde hace su sorprendente aparición –convirtiendo el cine en teatro y viceversa- la versión más cruda y al mismo tiempo tierna de Nacho, hasta “La Vida Manca” (una historia coral de lucha, ansias de “destrozar algo que no sea frágil”, y venganza que se toma bien en caliente), Resituación apela al corazón, a los pies, al bajo vientre, al cerebro. A estas alturas de su carrera es obvio que Vegas merece todas sus influencias, pero no se puede dejar de pensar en Lou Reed, en The Walker Brothers, en el Bob Dylan de Street Legal. También en Woody Guthrie, Leonard Cohen o los Rolling Stones; hasta en el Morrissey de Bona Drag, cuando todavía era más humano que divino.

En fin, referencias que perezosas se acurrucan alrededor del asombro de escuchar temas tan intachables y bestiales como “Adolfo Suicide” (¿la cima melódica del asturiano?), “Polvorado”, “Ciudad Vampira” o “Un día usted morirá”. Porque resulta complicado sacar de contexto una canción y obviar que Resituación supone un hito en su biografía musical. Textos e instrumentación caminan de la mano, sin soltarse jamás. Y en ese camino le acompaña su banda, La Trama Asturiana (con la ilustre incorporación de Joseba Irazoki de Atom Rumba), donde sota, caballo y rey suenan a gloria. Y suman talento la aportación puntual de Javier Mas (habitual a la guitarra en los directos de Leonard Cohen), y de la iconoclasta Maite Arroitajauregi de Mursego.

La inspiración no engaña, y en este disco resulta tan transparente como abrumadora, con su dosis de hoz, martillo, puñetazo y hasta envenenada intimidad (“¿No ves que me pongo bien / y me olvido de la muerte?”, nos canta en la mencionada “La Vida Manca”). Y es que, como con los clásicos, basta con dejarle hablar. Entonar, en este caso y que frases (¿versos?) como “Polvo somos y en pólvora nos convertiremos” resuman perfectamente lo que quiero decir.

Y sobre todo, lo que Nacho Vegas quiere decirnos. Y me quedo corto. Jesús Llorente

Marxophone

18 junio 2013

Acuarela anuncia dos nuevos fichajes: MUSEL y UMBRA SUM.

A las incorporaciones ya conocidas de A Veces Ciclón, El Faro, Manu Ferrón y The Orchids, el sello Acuarela, que sigue celebrando sus primeros 20 años de existencia, tiene el honor de sumar y dar la bienvenida a dos más: Musel -otro proyecto del ex-Triángulo de Amor Bizarro Oscar Vilariño- y Umbra Sum, nombre tras el que se esconde el músico costarricense afincado en Chicago Ed Sánchez-Gómez. Ambos aportan una visión romántica y emocionante de la fusión de ruido y melodía: noise pop con raíces vernáculas, shoegaze de autor que merece cada una de sus influencias.


Musel (Galicia, España)

Musel son un grupo de largo recorrido, para escuchar lentamente, sin prisas. Disfrutar de esos tensos feedbacks de guitarra que explotan en nubes de colores, siempre transportando al oyente a una dimensión que no es otra que la suya. Acordes hipnóticos y preciosas melodías,  shoegaze a la gallega, con gotas de lluvia cayendo por la frente casi a chorros, asfixiantes. El trío de Lugo es capaz de recrear estos mágicos ambientes en sus canciones: consiguiendo ponerle nombre, como harían en gallego, a las mil maneras que existen de llover. Ecos de Low o de Yo La Tengo para un proyecto que protagonizan Óscar Vilariño (A Veces ciclón, Mullet), Olalla Caamaño (Mullet) y Omar Feijoó (Pastillas Mamut, Sr. Fluzo y Anibal Anisakis).

Puedes escuchar una de sus canciones aquí.


Umbra Sum (Costa Rica)

Umbra Sum es Ed Sánchez-Gómez, un costarricense expatriado. A raíz de su relación de amor-odio con la carrera de guitarra clásica en la Universidad de Costa Rica, Umbra Sum surgió en 2003 como un proceso de reconciliación con el instrumento. Después de salir de Costa Rica, Ed vagó por Europa y terminó en Argentina, donde adquirió un gusto por la música folclórica de Sudamérica que permea su obra. Posteriormente, deja Argentina con el fin de estudiar actuación improvisada en Chicago, donde actualmente reside.

Aún no has demostrado nada será el primer trabajo oficial de Umbra Sum: un mini-álbum ecléctico en el que se hallan indicios de las armonías veraniegas de los Beach Boys, el sincretismo folclórico-psicodélico de Los Jaivas, el espíritu lúgubre de Hood, y el estruendo melódico de My Bloody Valentine y Dinosaur Jr.

Aún no has demostrado nada ha sido grabado por Ed Sánchez-Gómez en Evanston, Illinois, EE.UU.;  mezclado por Joel Jiménez-Cabezas en Goshen, Indiana, EE.UU., y masterizado por Jeff Lipton (Arcade Fire, Bon Iver, The Magnetic Fields) de Peerless Mastering en  Boston, Massachussetts, EE.UU.

Acuarela anunciará próximamente su fecha de publicación.


Puedes escuchar un adelanto aquí. 

14 junio 2013

Grupo Salvaje tocan de nuevo en Madrid las canciones de "III"


GRUPO SALVAJE
Nueva oportunidad de ver a los autores de III en directo en Madrid el 20 de junio.

Grupo Salvaje volvieron hace unos meses con un disco (¿post?) apocalíptico, catártico, dolido y doloroso. III es sin duda uno de los acontecimientos de la temporada gracias a canciones que muchas veces preferirías no haber escuchado nunca (hay quien reconoce haber envejecido diez años tras sus casi 50 minutos), pero que luego resultan ser el germen de emociones con raíces y extremidades.

El próximo día 20 de junio vuelven a actuar en Madrid. Será en el Teatro del Arte, como parte de los eventos celebrando el Día de la Música, y el aforo es limitado.


Hora: 22:30 / Teatro del Arte: C/ San Cosme y San Damian, 3, 28012 Madrid
Entradas anticipadas aquí.
El evento en facebook aquí


Sobre III han dicho:

“En un imposible punto intermedio entre Johnny Cash, Nick Cave, The Byrds y la música mediterránea, trazan un elenco de canciones casi insuperables en cuanto a lírica y expresividad”
Eduardo Izquierdo en efeeme.com

 “ (…) El resultado de todo esto es III, sin duda el mejor disco de la banda y uno de los más emocionantes del año a nivel nacional. Una colección poliforme de canciones que, si bien tienen en común ese sentimiento de final de viaje y ese olor a madera húmeda, salen cada una de una mujer distinta en cada puerto”
Jorge Salas en muzikalia.com

 “(…) Más que nunca, ahora se percibe en su tercer álbum “III” (Acuarela 2013) una tensión dramática fílmica que perturba. Es americana de trazo grueso, recia –que no rancia-, panorámica, geográfica: guitarras de roble y voz de corcho, mucho más allá de la caperuza que amaga emociones huecas (…)”
David S. Mordoh en musicaenlamochila.net

 “ (…) una minisinfonía indie-pop de once piezas, con joyas como ‘Adiós’ o ‘Tormento’, de nuevo sin alegrías, sino canalizando la tristeza hacia estadios de emoción superior, con reflejos de Nick Cave, Dylan, Neil Young, Corcobado o Nacho Vegas, y una instrumentación pulquérrima”
Matías Uribe en ‘La voz de mi amo’ heraldo.es

 “Sus letras se componen de símbolos, secretos, frases de gran sonoridad y referencias literarias. La música también parece proceder de una vívida república inventada; no pertenece a los sueños, pero tampoco a la realidad, es como un cantautor eléctrico imaginando canciones clásicas nunca escritas.”
Pablo Gil en La Luna de Metrópoli

 “(…) las canciones (…) suenan sedientas de vino, afiladas por las viejas rencillas. Echan espuma por la boca mientras te miran hurañas, como si las hubieras ofendido y quisieras saldar cuentas, convirtiendo este retorno en una de las grandes noticias del año: un exuberante monumento a los supervivientes tras el naufragio”
Joan Cabot en Go Mag

 “(…) humanizados gracias a una voz desnuda y cercana y a un emocionante sentido de la épica que alcanza su punto culminante en ‘Leviatán’ impresionante tour de force a mayor gloria del capitán Ahab. Palabras mayores, en fin. Para quien firma uno de los mejores discos de rock nacional de los últimos años”
Carlos Rego en Ruta 66

 “ (…) once canciones para cabalgar como cowboys escapando hacia ningún lugar.  Un disco plagado de cine y literatura. Un enorme salto hacia delante (…)”
Jorge San Segundo en indielogia.com

  “ (…) Cualquier imagen del oeste podría acompañar a la música de esta banda. De hecho hay más aridez, más Gran Cañón, más botas con espuelas en III que en la mayoría de discos de americana de los últimos tiempos. Eso es estilo. Entre John Ford y Howard Hawks, Grupo Salvaje ha creado su mejor obra” En el blog Like Judas of Old